A Horse With No Name

domingo, 2 de novembro de 2014

Bad Company

Bad Company foi uma banda inglesa de hard rock formada em 1973, com sucessos como "Shooting Star", "Bad Company", "Can't Get Enough", "Feel Like Makin' Love", "Ready for Love" e "Silver, Blue and Gold".

Sua formação original foi composta por Paul Rodgers (vocal), Simon Kirke (bateria), Mick Ralphs (guitarra) e Boz Burrell (baixo).

Seu último álbum foi Merchants of Cool (2002), uma compilação ao vivo, com os principais sucessos e mais duas canções novas gravadas em estúdio: "Saving Grace" e "Joe Fabulous".

Seus integrantes originais tinham tocado anteriormente em outras bandas britânicas: Free, Mott The Hoople e King Crimson.

Seu álbum de estréia, homônimo, foi lançado em 1974 pela Swan Song, e figurou entre os cem mais vendidos da década de 1970 na Billboard. Nele se encontram alguns dos clássicos do Bad Company, como a faixa título do álbum e Can't Get Enough. Em abril de 1975 a banda retornou com o lançamento do seu segundo álbum, Straight Shooter, que também teve excelentes vendagens, e emplacou novos sucessos como Feel Like Makin' Love. A este segundo álbum seguiram-se Run with the Pack (1976), ainda com boas vendagens, Burnin' Sky (1977) e Desolation Angels (1979), todos álbuns competentes. Depois do álbum de 1982, Rough Diamonds, o vocalista Paul Rodgers deixou a banda, e a mesma, ao que tudo indicava, estava destinada a se acabar. Rodgers passou a integrar a banda formada por Jimmy Page, ex-Led Zeppelin, denominada de The Firm.

Não obstante, em 1986, a banda retornou com novo vocalista, Brian Howe, apresentando um trabalho completamente diferente daquele que a havia caracterizado até então. O disco Fame and Fortune, em nada se assemelha com o hard rock dos anos 1970, se aproximando muito mais da sonoridade do glam metal americano dos anos 1980, mas sem o figurino espalhafatoso que caracteriza os integrantes habituais deste estilo. Os trabalhos posteriores, até meados dos anos 1990, seguiram esta tendência, sendo que no competente álbum de 1990, chamado Holy Water, a banda conseguiu emplacar uma música de relativo sucesso comercial, a balada If You Needed Somebody. Este disco foi certificado como Platinum pela RIAA. A ele se seguiu o disco Here Comes Trouble (1992), que ainda conseguiu atingir o certificado Gold pela RIAA.

Em 1995 a banda lança novo disco, Company of Strangers, com o novo vocalista, Robert Hart, no lugar de Brian Howe. Em 1997 a banda ainda lança um segundo disco com este vocalista, Stories Told & Untold, com regravações de antigos sucessos da banda e sete novas músicas. O disco é um fracasso comercial. Em 1998, Rodgers e Kirke discutem a possibilidade da banda voltar a sua formação original. Com o lançamento da compilação The Original Bad Company Anthology, de 1999, aparecem quatro novas músicas gravadas com Rodgers.

sexta-feira, 31 de outubro de 2014

Can

O Can é um dos ícones do rock alemão dos anos 70. Contemporâneos do Kraftwerk e um dos marcos do chamado "krautrock", esse grupo foi considerado um dos mais interessantes nomes do rock progressivo, embora esse termo seja por demais limitante à banda. Sua mistura de rock, minimalismo, jazz e longas viagens mostrava que o Can era muito mais sofisticado do que Pink Floyd e Yes, por exemplo, e ficando mais próximos dos ingleses King Crimson, Gentle Giant e Soft Machine. Um de seus líderes é Holger Czukay, músico extraordinário e que deu uma palestra no Brasil em janeiro de 1986 para alguns felizardos. Sua obra é recheada de momentos belos e estranhos, e entre todos eles fulgura o clássico Tago Mago. Seu som anárquico e completamente experimental influenciou várias bandas nascentes do movimento punk, como PiL, Gang of Four, The Fall e é uma das alegrias confessas de The Edge. Por isso, é mais do que hora de abordamos esses alemães malucos e geniais.

"Nunca fomos um grupo de rock normal. O Can sempre foi uma comunidade anarquista." A frase dita por um de seus fundadores, Irmin Schmidt, retrata o que foi essa banda alemã, uma das mais importantes e relevantes dos anos 70. Talvez pela enorme fama que o Kraftwerk conseguiu, poucos conseguiram enxergar ou apurar os ouvidos com o som do Can, um dos maiores nomes do "krautrock". Basicamente os grupos de "krautrock" eram considerados iguais aos de rock progressivo feito especialmente na Inglaterra. Mas havia uma diferença. Os grupos alemães estavam mais preocupados com a parte rítmica e em criar músicas hipnóticas, ao contrário das bandas inglesas, que abusavam de solos imensos e voltavam seus temas para a Idade Média. Os mais importantes grupos de "krautrock" foram, além do Can, o Kraftwerk, o Faust, o Neu!, Amon Düul II e o Cluster.

1968 | DELAY (1981)

01 | Butterfly
02 | Pnoom
03 | Nineteen Century Man
04 | Thief
05 | Man Named Joe
06 | Uphill
07 | Little Star of Bethlehem

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A história do Can começa em 1968, na cidade de Colônia. Cinco jovens resolvem se encontrar para montar um grupo. O anfitrião, Irmin Schmidt (pianista), recebe Holger Czukay (baixista), David Johnson (flautista), Jaki Liebezeit (baterista) e Michael Karoli. Todos eram músicos já renomados e que haviam tido experiências anteriores. Em pauta, a criação de um novo conceito sonoro, totalmente radical para aqueles tempos. Uma mistura de rock, com elementos de free jazz (a grande paixão de Liebezeit), eletrônica, colagem, etc...

A primeira aparição do Can consta meses depois, em junho, no Schloss Noervenich em uma exibição de arte moderna. Essa apresentação acabaria sendo lançada em 1984 em um edição limitada de duas mil cópias em fita cassete com o nome de Prehistoric Future, em Paris, pelo selo Tago Mago.

Neste show a banda tocou sob o nome Inner Space e utilizando os instrumentos de um grupo chamado Organisation, do qual faziam parte Ralf Hütter e Florian Schneider, que anos depois formariam o Kraftwerk. Nessa mesma época, Irmin recebeu a visita do escultor norte-americano Malcolm Mooney, que acabou entrando no grupo e conduziu os alemães mais próximos dos limites do rock. Em seguida, David Johnson deixa o grupo e Jaki e Malcolm aparecem com um novo nome: Can.

Assim, em 1969, lançam o primeiro disco, Monster Movie. Gravado apenas em dois canais, o trabalho já trazia uma concepção totalmente inusitada para a década de 60. O disco foi gravado no mesmo local de seu primeiro show e produzido pelo próprio grupo. Eram quantro composições, sendo que a última, "You Doo Right", tinha mais de 20 minutos.

1969 | MONSTER MOVIE

01 | Father Cannot Yell
02 | Mary, Mary so Contrary
03 | Outside my Door
04 | Yoo Doo Right

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Holger conta que nenhuma gravadora quis bancar o lançamento do disco que tinha uma outra capa e que eles mesmos bancaram a edição com a Scheisshouse Records. Além de Monster Movie, o disco Technical Space Composer's Crew do Canaxis5 foi o outro lançamento do selo.

Em 1970, o grupo lança o segundo disco Soundtracks, em que o Can mostra algumas trilhas sonoras da qual participou: Deadlocks, Cream, Mädchen Mit Gewalt, Deep End e Bottom - Ein Grosser Graublauer Vogel.

Esse trabalho marca o fim da participação de Malcolm que voltou para os Estados Unidos para se tratar de seus inúmero problemas psicológicos. Das sete faixas do disco, Malcolm colocou a voz em apenas duas: "Soul Desert" e "She Brings the Rain". Nas outras quatro faixas em que se necessitava de um cantor, o grupo apresentou um novo vocalista; o japonês Kenji "Damo" Suzuki.

1970 | SOUNDTRACKS

01 | Deadlock
02 | Tango Wiskyman
03 | Deadlock (Titelmusik)
04 | “Don’t Turn the Light on,” Leave me Alone
05 | Soul Desert
06 | Mother Sky
07 | She brings the Rain

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Holger e Jaki haviam conhecido Damo em Munique, onde vivia como mascate nas ruas da cidade, tentando coletar dinheiro para voltar à sua terra natal. Damo havia participado da produção do musical Hair, documentário que marcou todo o movimento hippie dos anos 60. E no mesmo final de semana em que conheceu os dois membros do Can, Damo foi convidado para tocar com a banda, no clube Blow Up, na própria Munique. E, apesar da performance caótica e ainda mostrando que o grupo necessitava evoluir muito, é considerado uma das mais belas apresentações da carreira do Can.

Vale registrar que todo o período vivido com Malcolm pode ser melhor conhecido no disco Can - Delay 1968, lançado originalmente em 1981.

E o grupo mostrou a tão prometida evolução com o próximo lançamento, o mais importante de sua carreira e um dos discos mais importantes do rock alemão e que influenciou dezenas de bandas inglesas e até americanas: Tago Mago.

Muitos consideram, de fato, o primeiro disco do Can, já que o primeiro teve uma produção caótica e Soundtracks é uma coletânea das trilhas-sonoras dos anos de 1969 e 1970.

1971 | TAGO MAGO

O disco é o testamento da capacidade da banda: moldado pelos ritmos frenéticos e quebrados pensados por Czukay e Liebezeit, os cincos assinam as composições em uma viagem que mistura mistério, psicodelias, climas orientais e longas viagens ao desconhecido. Tago Mago foi eleito um dos melhores discos do ano pelos críticos ingleses e franceses e a voz de Damo parecia ser perfeita para as experimentações dos quatro outros integrantes.

O ano de 1971 também foi especial para o Can, pois marcou a construção do estúdio próprio, o Inner Space, em Weilerswist, perto de Colônia. A partir de então, todos os discos do grupo seriam lá produzidos e em 1978 ele mudaria de nome: Can Studios.

Em 1972, o grupo conseguiria o primeiro grande sucesso comercial em seu país com o disco Ege Bamyasi, graças à faixa "Spoon" que havia sido usada no filme Das Messer. Outra canção do disco foi usada em outra película: "Vitamin C", utilizada pelo diretor Samuel Fuller em Tote Taube in der Beethovenstrasse. O disco marca uma maior interação com as primeiras e primárias baterias eletrônicas, instrumento que já havia sido utilizado na faixa "Peking O", de Tago Mago.

O próximo disco do grupo, Future Days, marca a saída do cantor japonês Damo Suzuki, que se torna Testemunha de Jeová e deixa o Can da mesma maneira como havia entrado: de modo surpreedente e abrupto.

Com a saída de Damo, algumas mudanças se processam na banda, que busca internamente um novo vocalista. Michael Karoli é considerado o titular do posto, embora nos anos seguintes, vários convidados tenham deixado sua voz, incluindo Tim Hardin.

1973 | FUTURE DAYS

01 | Future Days
02 | Spray
03 | Moonshake
04 | Bel Air

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Em 1974, o grupo faz, em Berlim, o concerto mais longo de sua carreira, e muito provavelmente, um dos mais longos da história: doze horas e meia em cima de um palco, em uma apresentação que começou às oito da noite e só terminou às oito e meia da manhã. No mesmo ano é lançado dois discos: Limited Edition e Soon Over Babaluma.

1974 | SOON OVER BABALUMA

01 | Dizzy Dizzy
02 | Come sta, La Luna
03 | Splash
04 | Chain Reaction
05 | Quantum Physics

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Em 1975, o grupo começa uma nova era. Reduzido a um quarteto, o Can lança um de seus discos mais inovadores e bem produzidos, Landed.

O grupo acaba sendo considerado o mais moderno e revolucionário do planeta pelos críticos ingleses. Cuidadosamente elaborado, Landed, mostra um avanço significativo na produção e no desenvolvimento de idéias e em conceitos.

1975 | LANDED

01 | Full Moon On The Highway
02 | Half Past One
03 | Hunters And Collectors
04 | Vernal Equinox
05 | Red Hot Indians
06 | Unfinished

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Em 1976 é a vez de um novo disco Flow Motion, que pela primeira vez consegue uma música de sucesso na Inglaterra: "I Want More". Nesse mesmo ano, o Can lança mais dois discos: a coletânea Opener e o disco duplo Unlimited Edition, que nada mais era as mesmas canções do disco Limited Edition e outras que não haviam sido lançadas.

1976 | FLOW MOTION

01 | I Want More
02 | Cascade Waltz
03 | Laugh Till You Cry, Live Till You Die
04 | …and More
05 | Babylonian Pearl
06 | Smoke (E.F.S No 59)
07 | Flow Motion

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Em 1977 o grupo ganha dois novos integrantes: Rosko Gee (baixo) e Reebop Kwaku Baah (percussão), ex-membros do Traffic, com isso, Holger ficaria encarregado de "sons especiais", utilizando um rádio de ondas curtas. A idéia era criar novos impulsos através de sinais de rádio, mas a idéia não vingou dentro do Can.

Holger acabou deixando o grupo em maio de 1977, após o final da turnê. O show final foi realizado na cidade de Lisboa, em Portugal, para 10 mil pessoas e o grupo deixou um ponto de interrogação para os seus fãs. Seria possível o grupo sobreviver sem um dos seus mais brilhantes colaboradores?

1977 | SAW DELIGHT

01 | Don’t say No
02 | Sunshine day and Night
03 | Call me
04 | Animal Waves
05 | Fly by Night

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Em 1978 é lançada a compilação Cannibalism No. 1 e Out Of Reach, o primeiro disco sem Holger. O disco é considerado um fracasso pelos próprios membros: "algumas pessoas disseram que gostaram dele, mas eu não vi nenhuma mágica durante as gravações", afirmou Irmin.

Enquanto isso, Holger começava uma carreira-solo lançado o disco Movies, utilizando sua idéia de ondas curtas. Nesse disco, Holger conta com ex-companheiros do Can, como Michael Karoli, Irmin Schmidt, Jaki Leibezeit, e Reebop Kwaku Baah, além de John Foxx, do grupo inglês Ultravox e do famoso produtor alemão Conny Plank. O disco levou dois anos para ser concluído e Holger confessa que por várias vezes achou que iria abandonar o projeto, mas foi estimulado por Foxx a continuar as gravações.

1978 | OUT OF REACH

01 | Serpentine
02 | Pauper’s Daughter and I
03 | November
04 | Seven Days Awake
05 | Give Me No “Roses”
06 | Live Inobe God
07 | One More Day

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Sem Holger, o Can resolveu encerrar suas atividades. Mais do que uma banda interessada em fazer sucesso, havia uma grande unidade entre os músicos e Irmin confessa que ficou muito difícil trabalhar sem tão precioso colaborador. A saída encontrada foi cada um seguir uma carreira-solo, enquanto a influência do Can era espalhada por todo planeta.

Em 1978, Holger editou o disco Can e viu vários grupos punks revelarem sua admiração pelo som de sua antiga banda. Pete Shelley, guitarrista dos Buzzcocks, afirmava que sem Marc Bolan e Michael Karoli jamais teria empunhado uma guitarra. Mark E. Smith, do Fall, confessou ter assistido alguns shows do grupo e era fascinado com a hipnose que provocavam. E também o grupo americano Pere Ubu, admitia ter chupado muito de seu "caos criativo" ouvindo e vendo os alemães.

1979 | CAN

01 | All Gates Open
02 | Safe
03 | Sunday Jam
04 | Sodom
05 | Aspectacle
06 | Ethnological Forgery Series No. 99
07 | Ping Pong
08 | Can Be

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Holger passou pelo Brasil em janeiro de 1986 dando algumas palestras em que teve pouca presença de público e onde falou de sua idéias e concepções. E em 1987 conta que recebeu uma carta que faria o Can se reunir novamente.

"Malcolm Mooney nos escreveu uma carta dos Estados Unidos perguntando se não podíamos nos reunir novamente. Ele contava que havia tentado uma carreira na América, mas que não havia tido nenhum sucesso e queria fazer uma nova tentativa. Disse que estava ansioso em descobrir como se comportaria em frente a um novo microfone e se isso o deixaria doente novamente, quando nos deixou. Acabamos indo para o sul da França, onde Michael Karoli havia montando um estúdio e a velha química parecia ter voltado. Assim nasceu Rite Time, um disco forte e que considero o meu favorito entre todos que gravamos."

1989 | RITE TIME

01 | On The Beautiful Side Of A Romance
02 | The Without Law Man
03 | Below This Level (Patient’s Song)
04 | Movin’ Right Along
05 | Like A New Child
06 | Hoolah Hoolah
07 | Give The Drummer Some
08 | In The Distance Lies The Future

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Em 1999 é lançado um CD duplo contendo gravações ao vivo entre os anos de 1971 e 1977, Can Live Music (Live 1971-1977), acompanhado de vários shows para promovê-lo.

O grupo terminou logo depois e hoje cada um leva sua vida separadamente.

Fonte | Mofo

quarta-feira, 29 de outubro de 2014

Ludov

A banda surgiu após o fim dos Maybees, grupo que era composto por todos os componentes da banda atual, exceto por Paulo "Chapolin", que substituiu o antigo baterista que tinha ido para o exterior. A banda Maybees cantava em inglês, mas devido à vontade dos integrantes de renovarem às suas próprias carreiras acabaram terminando a banda.

Os ex-integrantes reecontraram-se alguns meses depois e perceberam que a mesma relação artística que os havia unido no passado ainda existia pois havia muita disposição para a criação de uma banda renovada; a partir de então compõem e cantam somente em português.

No início da carreira, a banda começou a ganhar espaço na MTV Brasil e já foram apresentados dois clipes no Disk MTV. Ganharam um prêmio no Video Music Brasil da MTV de 2004 com o clipe "Princesa". Já em 2005, concorreram em três categorias com "Kriptonita".

Em 14 de julho de 2009, lançam seu terceiro álbum de estúdio, chamado Caligrafia, com a sua apresentação das suas músicas pela Internet, através do site da banda. Seu primeiro single é a música Reprise.

Mais sobre Ludov | AQUI

sábado, 25 de outubro de 2014

Pink Anderson

Pink Anderson (12 de Fevereiro de 1900 - 12 de Outubro de 1974) foi um cantor e guitarrista de blues, nascido em 12 de Fevereiro de 1900 em Lawrence, Carolina do Sul. Em 1914 juntou-se a Dr. Kerr da “Indian Remedy Company” para entreteter as multidões (cantando, dancando e contando anedotas) enquanto Kerr tentava vender uma mistura com qualidades medicinais.

Em 1916, Anderson conhece Simmie Dooley em Spartanburg, com quem aprendeu a cantar o “blues”. Quando Anderson não viajava com Dr. Kerr, ele e Dooley tocavam em pequenos ajuntamentos em Spartanburg e arredores.

Após o afastamento de Dr. Kerr em 1945, Anderson ficou-se por Spartanburg afinando o seu talento musical com a guitarra e harmónica. Problemas de coração forçaram Anderson a retirar-se em 1957.

Anderson gravou algumas músicas nos anos 60 e entrou em 1963 no filme The Bluesmen.

Syd Barrett formou uma banda nos anos 60 chamada Pink Floyd, usando os primeiros nomes de Anderson e de Floyd Council. Barrett aparentemente possuía uma gravação de um dos LP’s de Anderson.

quarta-feira, 22 de outubro de 2014

Lenine

Osvaldo Lenine Macedo Pimentel, conhecido apenas como Lenine, é um cantor, compositor, arranjador, escritor, letrista e músico brasileiro.

Ocupa a cadeira 38 como acadêmico correspondente da Academia Pernambucana de Letras.

Filho de um velho comunista e de uma católica praticante, criou-se porém uma espécie de détente na família. Até os 8 anos, os filhos eram obrigados a ir à missa com a mãe. Depois disso, ficavam por conta do pai: Marx era leitura obrigatória. Aos domingos, ouvia-se música de todo tipo - canções napolitanas, música alemã, música folclórica russa, Glenn Miller, Tchaikovsky, Chopin, Gil Evans, e mais tarde, Hermeto Pascoal e os tropicalistas.

Foi para o Rio de Janeiro no final dos anos 1970, pois naquela época havia pouco espaço ou recursos para música no Recife. Morou com alguns amigos, compositores. Dividiram por algum tempo um apartamento na Urca, depois uma casinha numa vila em Botafogo, famosa por ter sido moradia de Macalé e Sônia Braga. Depois foram para Santa Teresa.

Lenine teve seu som gravado por Elba Ramalho, sendo ela a primeira cantora de sucesso nacional a gravar uma música sua. Depois vieram Fernanda Abreu, O Rappa, Milton Nascimento, Maria Rita, Maria Bethânia e muitos outros.

Produziu "Segundo", de Maria Rita; "De uns tempos pra cá", de Chico César; "Lonji", de Tcheka (cantor e compositor do Cabo Verde); e "Ponto Enredo", de Pedro Luís e a Parede.

Trabalhou em televisão com os diretores Guel Arraes e Jorge Furtado. Para eles, fez a direção musical de "Caramuru, a Invenção do Brasil" que depois de minissérie, virou um longa-metragem. Participou também da direção do musical de "Cambaio", musical de João Falcão e Adriana Falcão, baseado em canções de Chico Buarque e Edu Lobo.

Lenine ganhou dois prêmios Grammy Latino: um pelo “Melhor Álbum Pop Contemporâneo” com seu álbum "Falange Canibal"; e outro em 2009 na categoria melhor canção brasileira com a música "Martelo Bigorna".

2008 | LABIATA

segunda-feira, 20 de outubro de 2014

October Project

O October Project foi fundado no longíquo ano de 1989 e inicialmente contava com Marina Belica nos teclados e vocais, Emil Adler no piano e David Sabatino nas guitarras. A letrista Julia Flanders não era membro oficial, mas aparecia em todas as fotos promocionais e era amiga de longa data de alguns integrantes. Após alguns ensaios o pontapé decisivo foi dado ao convidarem a versátil e belíssima cantora Mary Fahl para fazer parte do conjunto.

Mary Fahl definiu o estilo musical que seria seguido nos dois álbuns seguintes com sua voz poderosa e única. Contratados pela Epic em 1993, o disco de estréia é um dos melhores debut de todos os tempos por sua consistência ímpar. Inclassificável, este álbum possui melodias belíssimas intercaladas com a graciosa e sensível voz de Fahl. Hora pop, hora new age, mas sempre com uma técnica acima da média. Gerou dois ótimos singles e clipes: Bury My Love e Return to Me. Além disso, supreendentemente a música Wall of Silence, que não foi lançada em single, fez muito sucesso no Brasil. A Lonely Voice é uma das melhores. Apesar de tudo, não vendeu como merecia.

Em 1995 é lançado o segundo disco. Este é um pouco mais focado no pop e trás elementos novos na sonoridade com passagens instrumentais mais longas e calmas, no entanto menos elaboradas que o anterior. A entrada do percussionista Urbano Sanchez tornou a banda com um som comum demais. Adam & Eve é o ponto alto deste ótimo disco que também não vendeu como o esperado, o que acabou por encerrar o contrato da gravadora. Uma semana depois a banda se dissolveria.

Em 1999, Flanders e Adler lançam um EP sob o nome infame de November Project chamado A Thousand Days. Em 2003, Belica, Adler e Flanders tentan reativar a banda e lançam um EP constrangedor chamado Different Eyes. Sem Mary Fahl, o October Project parece uma banda cover de segunda categoria, apesar das ótimas letras e boa voz de Belica. É o fim oficial do October Project, uma banda tão promissora…

1993 | OCTOBER PROJECT

Bury My Lovely
Ariel
Where You Are
A Lonely Voice
Eyes Of Mercy
Return To Me
Wall Of Silence
Take Me As I Am
Now I Lay Me Down
Always
Paths Of Desire
Be My Hero

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1996 | FALLING FATHER IN

Deep As You Go
Something More Than This
Sunday Morning Yellow Sky
Adam & Eve
Johnny
Funeral In His Heart
After The Fall
One Dream
Dark Time
Falling Farther In
If I Could

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2003 | DIFFERENT EYES

The Mind's Eye
Long After Tomorrow
See With Different Eyes
If I Turn Away
Forget You
When The Wind Blows

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sexta-feira, 17 de outubro de 2014

Charles Bradley

Ele faz um tipo de som ao estilo de artistas como Darondo, Spanky Wilson, Sharon Jones e outros ‘negões e negônas’ de respeito do soul jazz, mas o fato é que Charles Bradley era um ilustre desconhecido até pouquíssimo tempo atrás. Eis que um single da Menahan Street Band lançado em 2008 apresentou o cantor ao mundo, e o resto é história.

E que história de vida, não é mesmo, Charlie? No Time For Dreaming é um excepcional álbum de soul music para apaixonados pela old school do gênero. A sonoridade do CD é totalmente vinculada à era de ouro da música negra, e temos a impressão de que se trata de um álbum esquecido nos porões do tempo.

Olhando a estampa do coroa dá pra dizer que ele parece uma mistura de Tony Tornado com James Brown, e apesar de estar estreando em um álbum, o soul man de 62 anos é o que podemos chamar de veterano iniciante. A história é longa, mas vale a pena passar os olhos pelo texto abaixo.

Charles nasceu em Gainesville, Flórida, em 1948, mas foi criado no Brooklyn, em Nova York. Viveu boa parte da sua infância nas ruas. Um dos seus primeiros contatos com a música foi quando teve a oportunidade de ir a um show de James Brown no lendário Apollo. Em seu site, Charles diz que aquele show mudou sua vida. Mas como na vida nada são flores, as dificuldades levaram Charles a sair do Brooklyn, até encontrar emprego em um bar, no estado de Maine. Aprendeu a cozinhar, e até montou uma banda. Era o começo da sua perseguição ao sonho de ser um artista.

Na mesma época, Charles chegou a sentir o gosto dos palcos e fez algumas apresentações. Naquele momento ele sabia que estava destinado a ser um cantor. Porém, o destino tratou de impedir o seu sonho: seus companheiros foram para Guerra do Vietnã, enquanto ele foi forçado a encontrar um trabalho como chef de cozinha em um hospital para doentes mentais.

Quase uma década depois, Charles Bradley decidiu abandonar tudo e partiu para o oeste em busca de seu sonho musical. Percorreu os EUA, indo de Nova York para a Califórnia de carona, chegando até o Canadá. Foi parar no Alasca, onde encontrou emprego como chef de cozinha. Passado um tempo, decidiu fazer o caminho de volta, dessa vez de avião. Na Califórnia, ficou mais de vinte anos trabalhando como chef, e às vezes conseguia uma ou outra apresentação como músico, mas nada que o fizesse apostar sua fichas em uma carreira de verdade. Até que perdeu o emprego e decidiu retornar ao Brooklyn para ficar perto da sua família.

Com o dinheiro que economizou, Charles encheu um caminhão com seus equipamentos musicais, comprados ao longo dos anos, para novamente tentar a sorte na Big Apple. Fez várias apresentações em clubes locais, e um bom tempo depois, enquanto se apresentava como Black Velvet, foi visto por Gabriel Roth, co-produtor da Daptone Records, o qual instantaneamente reconheceu seu talento e o levou diretamente para os estúdios. Charles conseguiria então o seu primeiro single.

Depois, conheceu o compositor e guitarrista Thomas Brenneck. Juntos lançaram dois singles e montaram uma nova banda – a Menahan Street Band. Resumindo, Charles finalmente teve oportunidade de mostrar seu talento. Foi quando em 2008 lançou um single comemorativo, e entre os músicos presentes estava o então desconhecido Charles Bradley. A música “The World (Is Going Up In Flames)” ganhou forma e vida na sua voz, seu talento foi reconhecido e o lançamento do álbum era questão de tempo.

Da capa com visual retrô a aquilo que ouvimos vazar das caixas de som, No Time For Dreaming é um senhor disco de soul. Além das canções, rolam algumas vinhetas ou temas instrumentais pela Menahan Street Band, que faz interlúdios espertos e dá refresco e beleza ao contexto do trabalho.

Só preciso de dois sons pra convencer o leitor/ouvinte do requinte da obra: tasque no player “The World (Is Going Up In Flames” ou “Heartaches and Pain”, última faixa do CD, e você saberá do que estou falando.

Que Charles Bradley não pare por aí!

Por Márcio Grings

quarta-feira, 15 de outubro de 2014

Arzachel

Entre 1966 a 1969, o movimento psicodélico vivia seu período áureo e diversos músicos aproveitavam a efervescência cultural da época para criarem projetos audaciosos e irreverentes que se tornaram ao longo do tempo obras relevantes e originais. Um nome que se destacou neste período foi o de Steve Hillage, que fez história com o Gong anos depois, mas que já em 1969 montou o Arzachel ao lado de Dave Stewart.

Surgido das cinzas do grupo Uriel, o Arzachel lançou seu primeiro álbum em 1969, um disco de rock progressivo com pitadas psicodélicas muito bem executadas. Todos os integrantes da banda usaram codinome para a gravação. Simon Sasparella e Steve Hillage (guitarra e vocais); Njerogi Gategaka e Mont Campbell (baixo e voz); Basil Dowling e Clive Brooks (bateria); Sam Lee-Uff é Dave Stewart (orgão).

“Arzachel” é um disco muito climático, francamente progressivo com destaque para o orgão de Sam Lee-Uff. Começa com “Garden of Earthly Delights”, uma canção típica do período psicodélico. Influências marcantes de Move e do Pink Floyd fase Sid Barret junto a uma boa dose de criatividade e talento fazem com que o álbum se destaque entre os grandes da época.

“Azathoth”, a segunda música, tem uma introdução próxima da musica clássica. Um órgão que se espalha de forma bastante interessante pela canção seguido de uma melodia quase bíblica mostra a versatilidade do Arzachel. Muito provavelmente idéias musicais de Hillage, aqui disfarçado de Simeon Sasparella. “Queen St. Gang”, a terceira faixa, é um bonito número instrumental caracterizado por uma melodia bem gostosa, principalmente pelo acompanhamento do orgão. O lado A do vinil ainda traz “Leg”, um poderoso do blues executado com levada pesada e totalmente psicodélica.

O lado B é ótimo, apenas duas canções de tirar o fôlego, onde os caras simplesmente detonam. Os dez minutos de “Clean Innocent Fun” exibem toda a força musical e criativa do quarteto. Psicodelismo, hard rock e progressivo se misturam numa introdução simplesmente fantástica. O trabalho das guitarras já mostra o quão bom era Steve Hillage, que faria muito sucesso nos anos seguintes com seus projetos paralelos.

Com 16 minutos de duração, “Metempsychosis”, a sexta é última música, lembra bastante algumas passagens de “Interestelar Overdrive”, canção do primeiro álbum do Pink Floyd, e fecha o único disco do Arzachel. Steve Hillage e Dave Stewart se juntariam mais tarde na banda Khan e gravariam ainda mais um excepcional disco de progressivo na década de 1970.

“Arzachel” foi relançando em 2002 pela Akarma Records. Um detalhe curioso pode ser encontrado no encarte, que além da apresentação de cada músico da banda, traz informações, como por exemplo, sobre o time que o baterista torce (no caso, Totthemham), crenças sobre como a musica pode influenciar no desempenho sexual ou ainda falar sobre as qualidades pessoais de cada um dos instrumentistas. Definitivamente, um rock raro.

Por: Wagner Xavier

terça-feira, 14 de outubro de 2014

André Christovam

André Christovam ser considerado o principal artista de blues do Brasil é uma possibilidade a ser discutida, mas ele foi sem dúvida o primeiro. É acima de tudo um músico exemplar que traz na bagagem mais de 29 anos de estrada. Um estudioso da história e um profundo conhecedor dessa linguagem musical. Uma vida de muita dedicação à guitarra e a experiência de ter divido o palco com algumas das maiores lendas da música popular no século vinte.

André descobre o músico dentro dele quando ouve no Natal de 1972 a canção Sunshine of Your Love do grupo inglês Cream e inicia um romance com a guitarra através do violão erudito poucos dias depois essa experiência. Seu momento de definição ocorre em 1974, quando ganha uma aposta que fez com o fotógrafo Sérgio Amaral em uma partida de futebol de botões. O pagamento foi o disco "The London Howlin' Wolf Session", que tinha a participação dos guitarristas Eric Clapton e Hubert Sumlin. Um disco tão especial que acabaria sendo a maior influência em sua decisão de seguir o caminho do blues.

No início do ano de 1976 inicia com Nelson Brito e Paulo Zinner o Fickle Pickle, um trio com um som pesado, mas com um interessante tempero bluseiro. GIT

Percorre com esse time todas as agruras que os músicos noviços precisam percorrer: centenas de horas de ensaio e depois noites e mais noites tocando em todos os espaços imagináveis da cidade de São Paulo muitas vezes a troco de nada!

Com doze anos de carreira musical e uma longa temporada de estudos no Guitar Institute of Technology na Califórnia seguida de uma outra mais curta com o Fickle Pickle pela Europa, além de uma bem sucedida carreira como “sideman” após ter gravado e excursionado com Kid Vinil e Os Heróis do Brasil, Rita Lee & Roberto de Carvalho, Raul Seixas e Marcelo Nova, André começa a gravar no final de 1988 o álbum "Mandinga", seu primeiro disco pelo selo Eldorado. Um trabalho que pelo ineditismo de ter todas as suas letras em português, torna-se um marco da discografia do blues nacional.

O lançamento e o início da tour brasileira foram em maio do ano seguinte. O palco de estréia foi o do Festival Internacional de Blues de Ribeirão Preto, um evento inesquecível que pela primeira vez trazia ao país a nata do Blues mundial, entre eles Albert Collins, guitarrista Texano que foi uma de suas maiores influências principalmente após a experiência de ter sido seu roadie, durante sua estada nos Estados Unidos. Sucesso instantâneo? Sabemos que essas coisas nem sempre acontecem... Mas as portas começariam a se abrir... E como de costume a primeira oportunidade apareceu por meio de um convite do mesmo Albert Collins para que André seguisse com ele rumo ao Texas para tocar no "Benson & Hedges Blues Festival", em Dallas, sendo assistido por mais de 12 mil pessoas. Esse evento foi uma autêntica congregação de estrelas que trouxe ao mesmo palco numa única noite além de Albert Collins, John Lee Hooker, Etta James, The Fabulous Thunderbirds e B.B. King. E a boa repercussão de sua passagem pelo Texas lhe proporcionou a participação na quarta edição do Free Jazz Festival, ao lado de John Lee Hooker e John Mayall no Rio de Janeiro.

Coninue lendo em: andrechristovam.com.br

segunda-feira, 6 de outubro de 2014

The Beach Boys

Shut Down Volume 2 é o quinto álbum de estúdio da banda de rock americana The Beach Boys, e o primeiro dos quatro que a banda lançaria em 1964. O volume "2" do álbum refere-se à compilação de hot rod, Shut Down, lançada pelo selo da banda, Capitol Records em 1963. O disco incluía "409" e "Shut Down", mas não era um álbum do The Beach Boys.

Gravado quando a "Beatlemania" estava começando a chegar ao território americano (e em breve afetar profundamente o líder Brian Wilson), Shut Down Volume 2 foi feito para consolidar a posição da banda como a maior banda na América. Em vez disso, a invasão do The Beatles foi tão avassaladora que o álbum atingiu # 13 nos Estados Unidos (embora, eventualmente, tenha ganhado disco de ouro).

Parte da culpa pelo fato do álbum não ter chegado ao "Top 10" deveu-se possivelmente ao fato dele possuir algumas faixas bem fracas, algumas delas sendo consideradas, por comum acordo, puro "enchimento". A adição da homorística "Cassius" Love Vs. "Sonny" Wilson" (uma "luta" entre Brian e Mike) serve para ilustrar a necessidade de encher o álbum.

No entanto, os pontos altos do Shut Down Volume 2 estão, indiscutivelmente, entre os mais fortes momentos da banda até agora: "Fun Fun, Fun", "Don't Worry Baby" (resposta de Brian a sua música predileta "Be My Baby", de Phil Spector, gravada por The Ronettes)," The Warmth of the Sun" (escrita em apenas algumas horas depois assassinato de JFK) e um cover de Frankie Lymon, Why Do Fools Fall In Love ". "Pom, Pom Play Girl" apresenta Carl Wilson em seu primeiro vocal principal numa canção dos Beach Boys.

Shut Down Volume 2 foi comercializado como "hot rod" após o sucesso do antecessor Little Deuce Coupe, mas os Beach Boys não foram capazes de manter o tema da forma consistente com que conseguiram anteriormente, sinalizando que Brian Wilson e Mike Love já estavam esgotando o repertório de canções sobre automóveis e teriam que mudar de marcha em breve.

A fotografia da capa, tirada pelo fotógrafo da Capitol George Jerman, mostra a banda (agora com Al Jardine fazendo sua estréia) posando ao lado de uma seleção de carros - nomeadamente, Corvette Sting Ray possuído por Dennis Wilson e Pontiac Grand Prix, de propriedade por Carl.

Texto | Wikipédia

quinta-feira, 25 de setembro de 2014

The Many Faces of Pink Folyd | A Journey Through The Inner World of Pink Floyd

THE MANY FACES OF PINK FOLYD
A Journey Through The Inner World Of Pink Floyd

CD1 | THE DARK SIDE OF THE MOON REVISITED

Speak To Me / Breathe | Adrian Belew (King Crimson) & Alan White (Yes)
On The Run | Larry Fast (Peter Gabriel) & Alan White (Yes)
Time | Robbie Krieger (The Doors) & Garry Green (Gentle Giant)
The Great Gig In The Sky | Rick Wakeman (Yes) & Steve Howe (Yes)
Money | Edgar Winter, Bill Bruford (King Crimson) & Tony Levin (King Crimson)
Us And Them | Dweezuk Zappa & John Wetton (King Crimson)
Any Colour You Like | Robben Ford, Steve Porcaro (Toto) & Aynsley Dunbar (Frank Zappa)
Brain Damage | Geoff Downes (Asia) & Robbie Krieger (The Doors)
Eclipse | Peter Banks (Yes), Tony Kaye (Yes) & John Wetton (Asia)

CD2 | THE WALL AND OTHER CLASSICS

In The Flesh? | Adrian Belew (King Crimson) & Keith Emerson (Elp)
The Thin Ice | Ian Anderson (Jethro Tull)
Another Brick In The Wall (Part 1) | Steve Morse (Deep Purple)
Another Brick In The Wall (Part 2) | Fee Waybill (The Tubes)
Mother | John Wetton (King Crimson/asia)
Goodbye Blue Sky | Steve Howe (Yes/asia)
Young Lust | Glenn Hughes (Deep Purple) & Elliot Easton (The Cars)
Hey You | Tommy Shaw (Styx) & Steve Lukater (Toto)
Comfortably Numb | Chris Squire (Yes) & Alan White (Yes/john Lennon)
Run Like Hell | Dweezil Zappa & Keith Emerson (Elp)
Shine On You, Crazy Diamond | Steve Lukater (Toto)
Welcome To The Machine | Derek Sherinian (Dream Theater)
Set The Controls To The Heart Of The Sun | Psychic Tv
Careful With That Axe, Eugene | Nik Turner (Hawkwind)

CD3 | ROOTS, VERSIONS AND RELATIVES

Good Question | Snowy White
Celestine | Banco De Gaia Feat Dick Parry
Love For Living | Clare Torry
See Emily Play | The Chemistry Set
Birds Of Paradise | Snowy White
Arnold Layne | Ss-20
The Music Attracts Me | Clare Torry
Who Was It? | Hurricane Smith
Oh Babe, What Would You Say? | Hurricane Smith
Year Of The Cat | Al Stewart
Scream Thy Last Scream | The Green Telescope
The Boll Weevil | Pink Anderson
Runaway Man Blues | Floyd Council

Pink Floyd Interview | Norman “Hurricane” Smith Talks About His Recording Sessions With Pink Floyd

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Pt. I | Pt. II | Pt. III

segunda-feira, 22 de setembro de 2014

The O'Jays | Collection 1969-2013

The O’Jays foram um grupo representante do chamado “soul da Filadélfia” (Philadelphia soul) nos anos 70, originalmente composta por Walter Williams, Bill Isles, Bobby Massey, William Powell e Eddie Levert. Eles formaram a banda na cidade de Canton, Ohio em 1958 na época em que cursavam o ensino médio.

Originalmente conhecidos como The Triumphs, posteriormente mudando o nome para The Mascots, a primeira gravação do grupo foi Miraclesem 1961, que teve um pequeno sucesso na região de Cleveland. O nome “The O’Jays” é um tributo ao disc-jóquei Eddie O’Jay.

O grupo – que atualmente é um quarteto, após a saída de Isles – teve como primeiro grande sucesso a música I’ll Be Sweeter Tomorrow (Than I Was Today). Apesar do sucesso, cogitaram deixar a música, até que os famosos produtores Kenneth Gamble e Leon Huff tiveram interesse por eles. Com Gamble e Huff, os O’Jays emergiram como pioneiros do Philadelphia soul com as músicas Back Stabbers e Love Train, em 1972. Durante o resto da década, continuaram a lançar músicas que alcançaram os primeiros lugares, incluindo For the Love of Money, Let Me Make Love to You, Give the People What They Want, e o sucesso disco’ I Love Music. Powell morreu de câncer em 1977.

Depois da entrada de Sammy Strain, os O’Jays continuaram a gravar, porém com sucesso muito limitado. Em 1978 tiveram algum êxito com Use Ta Be My Girl, e também nas paradas de R&B em 1987, com a música Lovin’ You.

A canção For The Love of Money ficou conhecida como tema de abertura do reality show The Apprentice (O Aprendiz), tanto em sua versão americana, comandada pelo empresário Donald Trump, quanto em várias versões internacionais, especialmente a versão brasileira, comandada pelo publicitário Roberto Justus (entre 2004 e 2009) e pelo empresário João Dória Júnior (a partir de 2010).

THE O'JAYS COLLECTION

1969 | The O'Jays in Philadelphia | Remastered 2013
1972 | Back Stabbers | Reissue 2013
1973 | Ship Ahoy | Expanded & Remastered 2013
1973 | Live in London | Remastered 1999
1975 | Family Reunion | Reissue 1988
1975 | Survival
1976 | Message in the Music | Reissue 1998
1977 | Collectors' Items
1977 | Travelin' at the Speed of Thought | Reissue 1998
1979 | Identify Yourself | Reissue 1993
1979 | So Full of Love
1980 | The Year 2000 | Reissue 1999
1982 | My Favorite Person | Reissue 1999
1983 | When Will I See You Again
1984 | Greatest Hits
1984 | Love And More
1985 | Love Fever | Reissue 1992
1987 | Let Me Touch You | Reissue 2006
1989 | Serious
1991 | Emotionally Yours
1994 | Love Train: The Best Of The O'Jays
1997 | Love You To Tears
1998 | The Very Best Of (1972-84)
2001 | The Ultimate O'Jays
2001 | For the Love...
2003 | Anthology
2004 | Imagination
2008 | Playlist: The Very Best of the O'Jays
2008 | The Essential O'Jays

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quinta-feira, 18 de setembro de 2014

Aniversário 9 anos | Blog Lágrima Psicodélica

Baixe a coleção completa no post do mano Cacá | AQUI

Buddy Guy & Junior Wells

Em 1965, Eric Clapton era Deus na Inglaterra, tocando guitarra no Yardbirds. Naquele ano, assistindo a um show do guitarrista Buddy Guy, ele teve a ideia de criar um trio de blues pesado. Formou então o Cream, precursor da cena hard rock e heavy metal das décadas seguintes. “Buddy Guy foi para mim o que Elvis foi para os outros’’, disse certa vez.

Em 1970, Clapton entrou em um estúdio na Flórida para produzir um disco de seu ídolo, que acabara uma longa turnê dividindo o palco com o gaitista Junior Wells, abrindo shows dos Stones. As gravações conturbadas (Clapton brigou com os outros produtores, Tom Dowd e Ahmet Ertegun) geraram um álbum genial, que é lançado agora no Brasil com CD extra.

Quem escuta as poderosas faixas de Buddy Guy & Junior Wells Play the Blues, uma verdadeira cartilha de como se toca o gênero, não imagina o caminho tortuoso até a edição final. Clapton deixou só oito faixas acabadas. Para o lançamento do disco, em 1972, duas canções foram incluídas a partir de uma sessão de gravações de Buddy Guy com a roqueira J. Geils Band. A nova edição do disco traz um belo encarte e mais 13 faixas extraídas do material gravado com Clapton.

Guy e Wells formam a melhor representação do “blues de Chicago’’, uma cena que influenciou gerações de bluesmen e, principalmente, músicos de rock, de Jimmy Page a Jack White.

Junior Wells nasceu em 1934 e morreu em 1998, deixando o som de sua harmônica em mais de 80 álbuns. Ele despontou aos 19 anos, substituindo Little Walter na banda da lenda Muddy Waters. No início dos anos 60, começou a parceria com Buddy Guy. Diz a lenda do blues que os dois teriam dividido o palco em mais de 300 shows. Guy nasceu em 1936 e hoje assiste a shows de rock da garotada sabendo que não existiriam sem sua essencial contribuição na ponte entre rock branco e blues negro.

A guitarra de Guy, lânguida, sensual até, percorre de forma hipnótica as faixas de Buddy Guy & Junior Wells Play the Blues. Ela dá corpo às canções, enquanto a harmônica de Wells incendeia um clima de celebração. Eles dividem os vocais. O tom de Guy é mais grave e se presta melhor às letras típicas do blues: mulheres que atiçam os caras para depois largá-los e muito bourbon para que eles as esqueçam.

Se é possível destacar faixas num disco tão impactante, que sejam My Baby She Left Me (She Left Me a Mule to Ride), em que Wells paga tributo à gravação de 1941 de seu mestre, Sonny Boy Williamson, ou Last Night, com o som arrepiante de Clapton na slide guitar. De vez em quando, algum crítico classifica o álbum como a mais refinada gravação de blues elétrico. É verdade.

Por | LUÍS BISSIGO

Personnel:

Buddy Guy (vocals, guitar)
Junior Wells (vocals, harmonica)
J. Geils (guitar)
Eric Clapton (guitar, bottleneck guitar)
Magic Dick (harmonica)
A.C. Reed (tenor saxophone)
Dr. John, Mike Utley, Seth Justman (piano)
Carl Radle, Leroy Stewart, Danny Klein (bass)
Roosevelt Shaw, Jim Gordon, Stephen Bladd (drums)

1972 | BUDDY GUY & JUNIOR WELLS
PLAY THE BLUES

01. A Man Of Many Words
02. My Baby She Left Me (She Left Me A Mule To Ride)
03. Come On In This House / Have Mercy Baby
04. T-Bone Shuffle
05. Poor Man's Plea
06. Messin' With The Kid
07. This Old fool
08. I Don't Know
09. Bad Bad Whiskey
10. Honeydripper

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